Uno que ve peliculas

Warrior

Tue, 05 Feb 2013 21:34:00 +0100

Warrior podría ser la gran película que pretende si no se le notaran tanto las costuras como se le notan. Unos personajes de libro, un conflicto clásico y una realización que al final va por unos derroteros que no son por los que comenzó lastran un conjunto que desde fuera parece mejor de lo que es. Justo en el momento en que acaba la presentación de los personajes y comienza el grueso de la acción todo se vuelve previsible, innecesariamente espectacular y decepcionante. A ello ayuda la terrible costumbre de introducir la figura del locutor que va narrando todo lo que ocurre en el ring, que en este caso es totalmente equivocada e innecesaria ya que acaban subrayando todos y cada uno de los momentos que vemos en pantalla. Vamos, no creo que un campeonato de lucha en el que solo puede quedar uno de entre todos los luchadores más brutos del planeta necesite demasiada explicación.Una pena, ya que tanto Tom Hardy como Joel Edgerton se esfuerzan para ser algo más que un trozo de carne. Y sin duda son lo mejor de la película. Otro gallo hubiera cantado si el guionista no se hubiera leído tantos libros de “cómo escribir un guión” y utilizara recursos de manual para conseguir emocionar. En cualquier caso, es entretenida, está muy bien hecha y nos arregla un domingo. Y tiene a un Nick Nolte de vuelta de todo que bien vale un visionado

A Pato de goma, a los playbacks de Romina & Albano, a la...

Wed, 15 Feb 2012 22:22:00 +0100

A Pato de goma, a los playbacks de Romina & Albano, a la portada manoseada de “Fotonovela” de Iván, a los series radiofónicos grabados en cintas TDK’s, a Pino D’angiò, al Casiotone, a los micrófonos con cable, al olor del proyector de cine de casa…

A todo esto me suena a mí Varry Brava.

Catfish

Mon, 28 Feb 2011 11:53:00 +0100

La red social y Catfish: dos formas de abordar algo que, por desconocido y reciente, provoca la misma cantidad de miedo y admiración. Las nuevas formas de comunicación no son tan nuevas, y aunque pueda parecer lo contrario, llevamos comunicándonos con emails, mensajes de chats o sms más tiempo de lo que creemos. La postura (hasta ahora) de los medios de comunicación o el cine hacia este tipo de relaciones establecidas mediante alguno de estos métodos ha sido siempre de recelo, tachando el método de peligroso, capaz de encerrar a la persona en uno mismo o de hacerle vivir mundos que no son reales. Y digo hasta ahora porque ha tenido que venir una película pequeña, casi invisible como Catfish para decir, en sus 94 minutos, lo que nadie ha sido capaz de decir en horas y horas de absurdos debates sobre el tema: que el uso de nuevas herramientas no es ni más ni menos peligroso/beneficioso que cualquier otra forma de comunicación que haya existido hasta el momento. Y que, como casi todo, depende más del sentido común de todos y cada uno de nosotros el aprovechar todas las posibilidades que nos brindan. Allí donde La red social es más una película sobre los métodos empresariales del siglo XXI (es el proceso de creación de la herramienta social más importante de lo que llevamos de siglo pero también podría haber tratado de los inicios de cualquier otra empresa), Catfish entra con cuchillo en cómo todas estas nuevas herramientas han sido asumidas como parte de nuestra vida a la hora de entablar relaciones con los demás. Y lo hace sin cuestionar su uso ni un minuto, dejando claro que ese debate ya debe ser dejado atrás porque, lo queramos o no, vivimos donde vivimos. No se si Catfish es un documental o un falso documental, pero me da igual. El saber que la historia no es real no le restaría un ápice de veracidad a lo que sentí mientras estaba viéndola. Desde el minuto uno te sientes atraído por la historia de Yuv, el chico protagonista que mantiene una relación de amistad a través de Facebook, mails y mensajes de texto con una joven pintora. Lo que vendrá después tiene tal carga de emotividad y verdad que sería una pena desvelar algo y fastidiarlo todo. Y si al final alguien no comprende las razones de la chica para hacer lo que hace es que no es capaz de reconocer que alguna vez en la vida la soledad nos ha llevado a hacer cosas muy pero que muy discutibles.

Balada triste de trompeta

Mon, 27 Dec 2010 13:44:57 +0100

El hecho de que Balada triste de trompeta no funcione en su totalidad no es ni culpa de su argumento (que podría, pero en este caso es suficiente para contar lo que quiere contar) ni de sus actores (que, salvo alguna que otra escena y actriz, funciona y sorprende) ni de las casualidades que inundan el guión (y de las que un servidor está especialmente harto) o de sus pretensiones (que aparentemente son pocas pero que esconden muchas). Si la película no funciona en su totalidad es culpa sólo y exclusivamente de un guión que mutila, recorta u omite (aún no tengo muy claro qué ha pasado) escenas completas que no es que no nos permitan entender o seguir el hilo de la historia, sino que nos evitan asistir a las transiciones emocionales entre los protagonistas de la película. Así, pasamos de una escena a otra sin que se nos permita ver la de en medio, aquella que nos suavizaría ese cambio radical de registro e interpretaciones que estamos viendo en pantalla y que, sin ellas, nos dejan absolutamente perplejos. Y no me vale eso de que “se ha querido transgredir el ritmo habitual” o “es una peli anárquica como sus personajes, capaces de todo por conseguir lo que quieren”. No. Eso es un fallo tan gordo de dirección (por la que, para más inri, Álex de la Iglesia ha sido premiado en Venecia 2010), de montaje y de guión (también con premio en Venecia) que chafa la totalidad de la cinta. Una cinta que es menos arriesgada de lo que nos quieren vender y que contiene escenas memorables, otras muy hipnotizantes y decadentes (el momento en que se acercan al veterinario con el elefante portando a Antonio de la Torre es de una belleza todbrowniana) y otras tan exageradas y brutales que uno se pregunta si la película existe tan sólo porque el director ha construido una historia en torno a una serie de imágenes que tenía en su cabeza.
Lo cual explicaría mucho.

Aquel maldito tren blindado

Mon, 04 Oct 2010 19:18:29 +0200

Seguramente no hubiera llegado a una película como esta si no llega a ser porque Tarantino nos puso en la pista de su existencia al elegir el título de su última película. Y es que, aparte de la casi coincidencia de este dato (Inglourious Bastards es la original vs. Inglourious Basterds que es la de Tarantino), cualquier comparativa entre ambas películas arrojaría una victoria bastante sangrienta para la segunda que tampoco merece la primera. Las cintas comparten “espíritu” y camaradería, pero poco más. Suponemos que el germen de toda obra puede surgir de cualquier cosa y Tarantino la encontró en esta cinta italiana de serie B que pasaba por allí.
No seré yo el que recomiende o no una cinta como esta, con sus logros/fallos que algunos no se pararían ni siquiera a descubrir. La cosa es que viéndola, me he encontrado que la copia que hay distribuida en DVD es un sindios como hacía mucho no me encontraba. La película es una producción italiana rodada en inglés. Hasta ahí todo normal (el querer abarcar un mayor número de mercados hace que se intenten estas cosas, sin tener en cuenta si tus actores saben hablar o no el idioma). Eso provoca que haya actores con un acento inglés que casi parece de caricatura (imaginen a Mario hablar en sus juegos).
Sólo por este hecho ya me costó descubrir cual era el idioma original de la película, y estuve alternando entre italiano e inglés un buen rato hasta que decidí quedarme en el inglés. Pero es que además, los subtítulos en español añadían más texto a lo que los personajes decían en pantalla, provocando un caos que me impedía concentrarme en la película.
Todo se solucionó al cambiar de nuevo al italiano con subtítulos en español, y darme cuenta de la jugada: aunque el idioma original era el inglés, al doblarlo al italiano -seguramente al ver que la película había quedado demasiado seria- se dedicaron a meter chascarrillos y gracietas en boca de personajes que permanecían fuera de la pantalla y a los que por tanto no veíamos sus bocas. Y son esos los diálogos que aparecen subtitulados: parrafadas de texto que, en su versión original, no se corresponden con ningún sonido en pantalla, conformando un pastiche idiomático incluso más grande que el que su director había imaginado al principio y que Tarantino se encargó de repetir poniendo fin a esa licencia narrativa que durante años ha destrozado el sentido común de muchísimas películas: ¿por qué en la segunda guerra mundial los que no eran ingleses/norteamericanos hablaban en inglés con acento alemán o con acento francés?

Llegó como una serie de transición y ha acabado ocupando gran...

Wed, 29 Sep 2010 19:12:06 +0200

Llegó como una serie de transición y ha acabado ocupando gran parte de mi tiempo durante las dos últimas semanas. The Good Wife, apuesta generalista de la cadena CBS que ahora comienza su segunda temporada, comenzó siendo una serie de abogados más con un punto de partida, cuanto menos, inquietante: conocer el qué pasa después de esas declaraciones que hemos visto mil veces de políticos o gente con una moral pública intachable, al lado de su mujer, arrepintiéndose de haber tenido algún desliz, casi siempre sexual. Estaba claro que esos personajes volvían a casa, pero nadie nos había contado cómo eran sus vidas a partir de entonces.
Y The Good Wife serpentea, a lo largo de sus primeros 23 episodios, en los cambios que la familia se ve obligada a adoptar ante la ausencia de la cabeza paterna y ante la desaparición del principal sustento económico. Sobre ese pivote gira toda la temporada, pero no debemos olvidar que esto es una serie de abogados, como decíamos antes. Y de “protesto, señoría”, de acuerdos económicos, de abogados sin vida propia y ambición biggerthanlife y de todos los clichés que aparecen en las series de abogados. Y además, sus capítulos son autoconclusivos (excepto algún personaje o caso que repite episodio; esto no es Damages). ¿Y como serie de abogados, con todo lo que llevamos ya en el cuerpo, nos puede aportar algo? Pues en un género tan trillado como ese, TGW sale bastante airosa presentando casos que, si bien no son las astracanadas de Ally McBeal (el tono tampoco se le parece) si que son ciertamente originales o rebuscados como para entretener. Permiten, además, que la personalalidad de cada personaje del bufete vaya quedando definida a lo largo de la temporada en función de las decisiones que tienen que adoptar como profesionales. Y así, sin explicar demasiado ni contarnos el pasado de nadie en forma de flashbacks, podemos hacernos una idea de quiénes aplastarían el cuello de sus mejores amigos para llegar a lo más alto.
Y aunque sus maneras no son las mejores (esa música casi ambiental, presente en el 60 o 70% del episodio, a lo Anatomía de Grey no auguraba nada bueno), la serie producida por los hermanos Scott y protagonizada por una hierática pero efectiva Julianna Margulies ha sentado una base excelente de tramas, de situaciones y conflictos entre personajes que promete una segunda temporada bastante interesante. Y ha conseguido que esté aquí echando de menos el ritual de sentarme a ver un nuevo capítulo de TGF y que me terminen de contar si Cary es tan malnacido como parece o si Kalinda encontrará algo que la haga dejar de ser el témpano de hielo que es.
Y todo esto ha ocurrido casi, sin darme cuenta.

Date night

Tue, 14 Sep 2010 18:25:00 +0200

¿Aporta algo? Seguramente la mejor escena de baile ridícula del cine, en dura pugna con con el baile de Jamie Lee Curtis en Mentiras arriesgadas. ¿Podía haber dado más de si? Mucho más, pero está claro que Carrell y Fey están destinados a entenderse en otros muchos guiones. Son los Steve Martin / Goldie Hawn de esta generación. ¿De quién es la culpa? El guión es bastante más de lo mismo y el director tiene una carrera que mejor ni mirar; las interpretaciones de ambos actores, la química que desprenden, sus momentos de improvisación y algún que otro gag hacen que perdonemos casi todo. ¿Merece la pena? Rotundamente sí. Imprescindible disfrutarla en una tarde de sábado tontorrona.

Undeclared

Wed, 08 Sep 2010 07:24:45 +0200

Los que somos seguidores de Freeks & Geeks no llevábamos demasiado bien eso de que las audiencias hubieran decidido castigar a la serie y ésta desapareciera de la parrila tras una única, adulta e intensa (y hablamos de una serie sobre adolescentes) temporada. Deseoso como nosotros de ver qué hubiera ocurrido con los personajes al enfrentarse al paso más importante que un quinceañero puede dar (la entrada en la universidad y la independencia tutelada), Apatow y su trouppe -a lo largo de esta única temporada casi todo el universo Apatow hace acto de presencia escribiendo, dirigiendo o protagonizando tramas- se reúnen de nuevo en este segundo round dando continuidad a la serie pero renovando escenarios, personajes y actores. Es bastante curioso ver como en este segundo intento el trasfondo trágico de Freeks & Geeks (todos hemos sufrido problemas en la adolescencia que se convertían en muros infranqueables a nuestra edad) se diluye para dar paso a tramas más livianas, y algo más trilladas, buscando quizás un tipo de público que al final, tampoco apareció. Cada capítulo son 22 minutos de personajes y actitudes reconocibles, cercanos y de los que te encariñas irremediablemente. Apatow consigue de nuevo construir clichés andantes a los que hace evolucionar de una manera natural, para que, cuando te das cuenta, no puedas abandonarlos. Una pena que en este caso las tramas resulten demasiado sencillas, tirando a sitcom tontorrona y sin más intención que hacer pasar un buen rato al espectador. El problema es que el espectador ya ha visto mucho, y no tiene ningún problema en diferenciar lo bueno de lo malo, y en este caso no hay mucho bueno.
Tras 17 efímeros capítulos, la serie corrió la misma suerte que su antecesora y desapareció casi sin hacer ruido. Y si bien es verdad que no la vamos a echar mucho de menos (al contrario que a F&G), nos quedamos sin asistir a las andanzas de estos personajes en, por ejemplo, sus andanzas laborales tras abandonar la universidad. Habrá que confiar en las ganas de Apatow de seguir a estos personajes y esperar un tercer round (algo así como un “Veintitantos”) para saber qué habrá sido de sus vidas.

An education

Wed, 14 Jul 2010 07:34:00 +0200

Era lógico que fuera Hornby el encargado de adaptar el libro de Lynn Barber. Una vez vista la película uno se da cuenta que toca los mismos temas que han estado presente a lo largo de su obra: una y otra vez sus personajes se enfrentan sin éxito a problemas que, por edad, ya deberían estar preparados para resolver. Esto hace que el proceso de bajada a los infiernos inicial y vuelta a la normalidad posterior (con el consiguiente aprendizaje tanto de ellos como nosotros) nos sirva para asistir a un relato que demasiadas veces puede parecerse a nuestra vida.
Jenny es una chica a la que siempre le han ofrecido para comer un plato que no le disgusta pero que tampoco le apasiona: simplemente le alimenta. Pero de repente un día, le ofrecen un menú completo que además de alimentar es la cosa más buena que ha probado nunca. Los problemas empiezan cuando Jenny se enfrenta a un mundo en el que hacer lo que uno quiere y optar por una via alternativa a lo establecido provoca la ira de todos los que te rodean.
El guión de Hornby serpentea por los lugares comunes que el autor ha ido dibujando a lo largo de su carrera (el peterpanismo, el individuo que destaca sobre el resto aunque sólo él sea consciente de ello, los enfrentamientos con la familia o que la vida te ponga en tu sitio cuando menos te lo esperas), pero se echa en falta un poco más de valor de los autores para, una vez puesto a los personajes en situaciones límite, continuarlas. Si hasta que se destapa la sorpresa (tanto para Jenny como para nosotros, espectadores) disfrutamos con esa perfecta historia de amor que todos en la adolescencia deberíamos vivir, no hubiera estado mal disfrutar con un desenlace menos pesimista como el que se nos plantea: parece como si el cariño que les tiene no le permite verlos sufrir, cuando nos hubiéramos conformado con ver que además de esos dos platos de los que hablábamos al principio existe uno intermedio que tampoco tiene porqué estar mal.

Damages S03

Tue, 22 Jun 2010 12:34:00 +0200

Sería injusto echar toda la culpa del bajo nivel de esta tercera temporada a la repentina cancelación de la que los guiniostas fueron informados a mitad de la misma. Seguramente ya tenían toda la trama cerrada y tuvieron que reestructurarla para cerrar, más o menos, cosas que de otra manera hubieran desarrollado con más calma en futuros episodios. Sólo así se entiende la repentina reaparición de Arthur Frobisher y el hecho de colocarlo en una trama tan… de otro tipo de series. O la relación de Patty Hewes y su hijo, con ese final tan precipitado y facilón. O los fantasmas del pasado que vienen a hacer temblar los suelos de Patty y Ellen y que aportan poco a sus personajes. O, y esto es lo más llamativo, el no-final para la trama de la hermana de Ellen, que de un día para otro deja de existir.
Todo esto que, como digo, puede ser achacable a la falta de tiempo para desarrollar las cosas más tranquilamente, no esconde lo que desde el capítulo 3 se empieza a intuir: el desgaste de la fórmula. Una fórmula que funcionó en la primera, se mantuvo con altibajos en la segunda pero que ya en esta tercera es insostenible. La forma se impone sobre el fondo. Quizás esta historia, mucho más sencilla y culebronesca que las otras no necesitaba que la contaran de esta manera. Quizás pensaron que el traje disfrazaría la poca sustancia del material que tenían entre manos. Quizás dejaron para más tarde lo que realmente queríamos ver (un enfrentamiento al mismo nivel entre Patty Hewes y Ellen Parsons) y ahora ya es imposible. Nos quedamos con una simple escena final entre las dos que sabe a muy poco, porque nos esperábamos algo mucho más grande.
Una pena que una serie que empezó dando un golpe en la mesa de las series de ficción frenética tenga que acabar pidiendo perdón por existir.

Nine

Sat, 19 Jun 2010 19:25:00 +0200

Nine parece creada como extensión del anterior musical de Rob Marshall, Chicago. Si algo funcionó allí, podemos reutilizarlo otras veces con otras historias. Estilo propio lo llaman. Pero esa reutilización de elementos concretos (acordes musicales, coreografías, clichés femeninos) hace que te des cuenta que Marshall ya ofreció allí todo lo que tenía que ofrecer. Nine se hace cansino casi desde el minuto uno, cuando empieza a desfilar por la pantalla ese cásting horroroso que actúa como si ya todo estuviera perdido. Me he hartado de leer que Fergie se comía a todos los que se cruzaban en la película con ella, que Penélope estaba espléndida o que Sofía Loren aportaba elegancia a un personaje sinónimo de cine que vuelve para poner al director en el camino. Y ni Fergie se sale (sólo se cruza un niño en un número musical) ni Penélope destaca por nada (otras veces si, pero aquí desde luego no) y Sofía está tan tremendamente mal atrezzada que parece cierto travesti de labios gruesos. Pero es que además Daniel Day Lewis canta muy mal, se mueve peor y actúa con una desgana que deberían ni haberle pagado. Y Nicole Kidman se mueve como si protagonizara otro anuncio multimillonario, tras haber olvidado que ella una vez hizo un musical con brío. Tan sólo una comedida Marion Cotillard construye un personaje creíble, que usa los números musicales para expresar todo aquello que no es capaz de decir normalmente.
Ante semejante panorama uno espera que por lo menos los números musicales estén a la altura. Pues no. La película abre con uno tipo “aquí estamos los que vamos a divertirles durante dos horas” que padece lo que padecen todos en esta película: falta de fuerza. El director se queda en la superficie de todo, las letras no llegan nunca al espectador y los números tardan tanto en arrancar que cuando lo hacen, ya han terminado. Y para colmo, el número estrella -o el que al parecer más gusta a la gente- protagonizado por Kate Hudson no es más que un soplo de aire fresco que sólo consigue bajar el nivel de aburrimiento de 10 a 9, pero que podría ser también un descarte de cualquier estrella del pop emergente.
Un error tan grande que ha pasado por película media gracias a la nominación de Penélope, en ningún caso merecida.

Talladega nights

Sun, 30 May 2010 20:56:05 +0200

Son muchas las películas que Will Ferrell nos está dejando para la memoria desde principios de siglo. Desde la descacharrante El Reportero (con la plana mayor del cine cómico estadounidense en la actualidad) hasta aquellas de las que sin ser una obra redonda (Patinazo a la gloria, por ejemplo) tiene mucha más gracias que otras que parece que han caído en gracia (y me acuerdo de la infravalorada y ahora incompresiblemente sobrevalorada Resacón en Las Vegas). El caso es que las películas de Will Ferrell son, en la mayoría de los casos, Will Ferrell. Si no gusta, ni lo intentes. Pero si eres capaz de encontrar el punto de socarronería, de absurdez, de imbecilidad y de condescendencia y cariño con el que Ferrell interpreta a la mayoría de sus personajes, vas a disfrutar. Y eso es lo que pasa con Talladega Nights: nunca estuvo Ferrell más comedido y con un equipo tan dispuesto a que el público ria tanto como se debieron reir ellos durante el rodaje. Con la auda esta vez de un Sacha Baron Cohen (que protagoniza momentos sublimes al volante) la película ahonda en el mundo de las carreras Nascar para ofrecernos la historia de éxito instantáneo, caída y recuperación+redención (ya presente en Dewey Cox, El Reportero o la serie Eastbound & Down) de un conductor de coches que, de la noche a la mañana, pasa de poner ruedas a pilotar y ser el número uno. A partir de ahí empieza el espectáculo: estadounidenses y franceses que siguen a rajatabla sus respectivas imágenes tópicas y grotescas, situaciones clásicas de este tipo de películas y una realización que sigue a pies juntillas todos y cada uno de los tópicos presentes en la comedia americana desde hace años. Con la diferencia de que aquí recurren a ellos para reírse de ello. Y no todos pueden decir lo mismo…

Tiempo de amar, tiempo de morir

Sun, 02 May 2010 19:21:28 +0200

Hay un momento al principio de esta película en la que un joven soldado alemán, tras fusilar a un grupo de civiles, se pega un tiro; no ha sido capaz de soportar el hecho de que en una guerra vale todo y que no te preparan para eso. El protagonista sin embargo necesitará de más tiempo para llegar a la misma conclusión: concretamente dos semanas, que es el tiempo que dura su permiso y que le permite conocer todo aquello que él, con sus actos en el frente, está provocando. Penúltima película de Douglas Sirk, es increíble ver como 50 años después, lo que se ve en pantalla sigue pareciendo espectacular: ambientación, decorados (no hay cartón piedra y si lo hay, no lo he visto), explosiones… todo está cuidado de tal manera que consigues dejar el sofá y ponerte a sufrir al lado de los protagonistas, asistiendo con ellos a una historia de amor marca de la casa (imposible olvidar el plano final). Y a pesar de que lo que estamos presenciando es el asedio contra Alemania durante la 2GM no es una película sobre la guerra, sino de las consecuencias de la misma en la vida cotidiana de mucha gente, que lo único que quiere es vivir.
Un sólo detalle negativo: resulta de lo más curioso que, como dice Tarantino, los alemanes en Alemania hablen inglés con acento alemán.

A 23 pasos de Baker Street

Wed, 28 Apr 2010 14:39:00 +0200

Perteneciente a esa clase de películas en las que tipos normales se ven obligados a resolver misterios por estar en el sitio y hora equivocados (léase Misterioso asesinato en Manhattan), y con el aliciente de que el que resuelve cuenta con una tara física que hace más heróica su tarea (como en La ventana indiscreta), A 22 pasos… es una entretenida película en la que puedes ir adelantándote a los acontecimientos justo antes de que ocurran sin por ello perder el interés durante todo el metraje. Y es que no hay nada nuevo en este aprendiz de Sherlock Holmes (la referencia en el título no es casual: aquí hay un par de Watsons que le ayudarán en su tarea) pero todo lo que hay, se disfruta con gusto. No hubiera estado mal que se desarrollaran un poco las razones de “los malos” para hacer lo que hacen, pero el director opta porque el espectador se sienta igual de impedido que el protagonista a la hora de resolver el misterio y con la misma -poca- información. Para amantes del Hitchcock-style (salvando mucho las distancias, eso sí).

Mala semilla

Tue, 20 Apr 2010 14:06:00 +0200

Es casualidad que haya visto dos películas de temática parecida como Mala semilla y El otro, aunque en la presencia de niños malignos se acaben todos sus parecidos. En la película de LeRoy las malas acciones de la niña (insufrible es poco) arrastran a los personajes que comparten protagonismo con ella, especialmente su madre, a hacer cosas que nunca pensarían que harían. Es curioso como, al igual que en Almas desnudas, todo transcurra cuando el cabeza de familia abandona el hogar, como si su presencia evitara cualquier tipo de mal y su ausencia provocara todo tipo de desastres. Y a pesar de que la interpretación de Nancy Kelly sea bastante acartonada (con lo peor del cine clásico: gestos exagerados y muy marcados, caras de desesperación absoluta) y de que la niña es asesinable cada vez que hace una reverencia, la película va in crescendo e interesa por ver hasta donde llega la maldad de la hija y hasta donde la acompaña la madre. Si tan sólo se hubieran atrevido a cortar 10 minutos antes del final (tras la escena madre-hija del sofá) la cinta se hubiera alejado un poco de su origen teatral, que a veces le baja el ritmo a la historia con escenas largas y muy estáticas. Para mi no es un obstáculo y no me impidió disfrutarla, pero hay que avisar.
Por cierto, atención a los créditos finales:inenarrable.

Aun estoy un poco avergonzado por no haber visto venir el giro...

Sat, 17 Apr 2010 00:55:00 +0200

Aun estoy un poco avergonzado por no haber visto venir el giro que fácilmente se podía haber intuído desde el principio de la historia: pero es que me ha pillado totalmente desprevenido. Uno no espera (o por lo menos yo no) que una historia como El otro, que comienza en una apacible Nueva Inglaterra con una típica y feliz familia americana acabe de esta manera tan salvaje. Robert Mulligan se olvida de la sutileza y los personajes a los que tienes que querer si o si (Atticus Finch, ¿donde estás?) para mostrarnos a dos de los niños más sádicos y desequilibrados que ha dado el cine. Y aunque al principio puedas estar un poco desconcertado, no es más que el punto en el que el director quiere que estés para cuando decide soltar su bomba. Y en ese momento ya te rindes a la evidencia y piensas en lo tonto que eres por dejarte engañar por un niño. Y te sientes mucho más cerca de los sufridos familiares y de esa pobre madre que ha parido a semejantes criaturas.

Almas desnudas

Fri, 16 Apr 2010 00:20:00 +0200

The Reckless Moment es mi primer encuentro con Max Ophüls y presiento que todo lo que vega después me va a decepcionar. Me he enganchado totalmente a esta intrigante historia donde lo que menos importa es la intriga y lo que más el comportamiento de los personajes ante las difíciles situaciones que se les presentan. El director deja a un lado los diálogos para definir a los personajes con gestos, maneras de vestir y algún plano (cuando al principio se nos presenta a toda la familia de la protagonista en poco más de un minuto) del que muchos deberían tomar buena nota. La presencia constante de escaleras fotografiadas con sombras durísimas y amenazantes y la forma de resolver los planos-contraplanos hicieron que se me erizara el vello más de una vez. Pero es que además de todo esto la película consiguió emocionarme con la historia de este pobre hombre que encuentra en una desconocida (un ama de casa que decide, por una y fatídica vez, hacer algo que va en contra su moral) la excusa perfecta para redimirse.

The lovely bones

Tue, 13 Apr 2010 14:47:46 +0200

Me gustaría ser un poco más benevolente con ella, pero es que simplemente no puedo: me aburrí como una ostra. El planteamiento del film como dos narraciones paralelas hace que, en vez de sumar, una se reste a la otra: cuando quieres que se profundice en el mundo onírico de la joven, el director interrumpe el relato para mostrar una torpe investigación de los hechos ocurridos. Al final te acabas dando cuenta que ninguna de las dos te interesa lo más mínimo, y sientes verdadero pavor y vergüenza ajena ante ciertos recursos (casi toda la peli es a cámara lenta, y no exagero) y escenas de lo más cursi, lastrado por unos efectos digitales bastante mejorables y relamidos (supongo que esto es lo que verá Enya cuando se pone a pensar). Ni los pobres Stanley Tucci y Susan Sarandon consiguen que sus personajes sobresalgan: el uno porque se ve eclipsado por el resto de elementos del film y la otra porque su papel es tan breve y “guay” que se nota a leguas que ella está ahí por razones económicas. Prefiero Ghost.

Crimewave

Sat, 10 Apr 2010 23:27:00 +0200

Es lo que tiene no llevar ningún orden de visionado. Me gustó tanto la escena de la pelea en el coche entre la bruja sin dentadura y la protagonista en Arrástrame al infierno que creía que era de las escenas más graciosas, originales y descacharrantes que había visto en una película. No podía intuir que el mismo director había rodado una película entera hacía 25 años con todo lo que había allí y mucho más. Crimewave es lo más parecido a un cartoon que he visto en mi vida: los personajes explotan, se golpean, sangran hasta morir, son atropellados, se caen desde rascacielos y al final, todos mueren con una sonrisa. No se me ocurre mejor ejemplo para el género comedia slapstick, aderezado con la estética del cine que se hacía en la época, un guión de los hermanos Coen y un Raimi que dirige con socarronería, humor negro y sobre todo, mucha imaginación. Imprescindible ver en tarde de sábado para disfrutarla aún más.

The Office S05

Wed, 07 Apr 2010 15:43:00 +0200

En la quinta temporada de The Office los guionistas, lejos de mostrar signos de agotamiento, demuestran que se puede arrastrar un poquito más bajo a cada uno de los personajes y seguir disfrutando con ellos. Estoy totalmente enganchado a la sensación “me siento mal pero me gusta” que me provoca esta serie, y cada reencuentro confirma que es mi serie favorita de todos los tiempos: la que tiene el mejor casting, la que me obliga a beberme con ansia cada capítulo y la que me hace ver los extras religiosamente buscando atisbos de genialidad que se quedaron en la sala de montaje. Y aunque en esta quinta temporada no haya un cénit de la ficción televisiva como hubo en la cuarta (La cena, ese capítulo), tiene situaciones nada desdeñables. Y si, me estoy acordando en estos momentos del simulacro de incendio organizado por Dwight.